要做出一盤色香味俱全的料理，不僅僅是把食物丟到鍋子炒這麼簡單，食材的選用、切得平不平均、入鍋的順序、調味的比例、烹調的時間…每個細節都會決定這道菜好吃的程度。其實剪接也是一樣的，要如何重新拼接故事線，將數百小時的素材剪成一部敘事流暢的作品，考驗的不是技術，而是剪接師的功力。甚至，剪接可以救一部片這個說法，也絕不是玩笑話。

有楊德昌御用剪接師之稱，曾獲得金馬獎最佳台灣電影工作者的陳博文，剪過的電影已超過 150 部以上了，包括大家最耳熟能詳的經典，像是《牯嶺街少年殺人事件》、《一一》、《獨立時代》等片。對他來說，一個頂尖的剪接師必須具備跟導演一樣的電影感，以及解決問題的能力，即使拿到的素材有問題，也必須能夠透過重新組合鏡位、調整戲劇結構等不同的作法來活化素材。

其中，音樂和聲音的空間拿捏、節奏感的掌握也是剪接的一大課題。配樂掌握了影像氛圍和情緒，而音效則是完整了全片的聲音場景，讓觀眾更融入影像。那麼，剪接師在中間又扮演什麼角色呢？只要把片子剪完直接傳給配樂、錄音室就可以了嗎？來看看資深剪接師陳博文怎麼說。

從剪接師角度，去思考聲音與影像的關聯

配樂的功用是為了掌握影像的氣氛，什麼時候提起情緒，絕非不是純粹的「背景音樂」。聲音的大小聲、頻率、主旋律從哪個點出來才能提起情緒、在哪個音樂點上升字幕，音樂還是有其目的在。

陳博文告訴我們，如何掌握情緒跟音樂的關係很重要，如果剪接師沒有音樂的修養，可能在剪接時就喪失音樂的條件，作曲家會很難下音樂，所以絕不是剪完把影片給作曲家發揮就好。在剪接的過程中，哪些段落、哪些情緒要預留空間給配樂跟音效，都是要先思考的。

「導演拍一鏡頭長五分鐘，你可以用兩秒鐘、五秒鐘、十秒鐘、一分鐘、兩分鐘、三分鐘都有可能，你憑什麼樣的感覺去取決長短？如果用兩秒，可能可以讓人家看到這東西。用十秒，可以看清楚一點到底是什麼狀態，但還是沒有包括氣氛和情緒在裡面。如果你覺得這鏡頭應該加一點環境聲音，譬如風吹、車流聲，也許鏡頭用個十秒鐘、二十秒鐘觀眾看了覺得滿舒服的，而且有些感覺。當你放個四十秒鐘，用那些環境聲音去處理的時候，可能有時候就撐不住了。如果你覺得這邊是需要有音樂的，可能就會把鏡頭長度拉長，這時候在剪接階段就要做調整。 」

尤其是紀錄片，因為紀錄片有許多訪問跟對話，對觀眾來說，如果全片都不斷在塞資訊給你而沒有留白，一定會疲乏。所以適度的留白除了能夠讓觀眾稍稍喘息、呼吸外，有時候也能延續影像的情緒。至於要設計哪些留白的空間，這就是剪接師的專業了。

因為如此，即使影片段落沒有音樂，整體鏡頭的轉接、鏡頭的長短，但整個影片的流動性和韻律感還是有的，如果剪接師本身有具備這樣的修養，在剪接時就會很自然地流露出這樣的特質，就會讓整個的電影感很順暢。

「好的剪接師，要對音樂有敏銳感！」

從類比時代一路走來，陳博文認為傳統的剪接因為是非同步錄音，很難掌握到音樂元素，只能從嘴形、場記表去對照，但現在有同步錄音，剪接起來會更精準，也因為限制更少，就能做更好的發揮。比如說一個敲打鐘聲的畫面，因為鐘本身就有時間的意涵，所以若要表達時間流逝，鐘聲就要讓它停留比較久，所以在影像上，就會留了空間讓聲音去延續。一般他會先跟導演溝通，取得共識後，導演會再跟錄音室溝通，做後續的聲音處理。所以做剪接不只是讓畫面連貫，為了片子的完整性，一定要懂音樂、美術、攝影、編劇等，這樣才能從不同的角度去思考剪接架構。

對剪接來說，有音樂修養很重要，在剪片時，潛意識就會有音樂節奏的感覺。掌握影像的音樂節奏對剪接師來說也是一道課題，尤其有一些影像本身就帶著節奏，像是舞蹈、體操等等，即使畫面拍得很順暢，但如果節奏不對，配樂也很難處理。所以剪接師就必須照著音樂的節奏去剪，要去算拍子，讓音樂跟畫面符合。像是其中有個舞蹈練習片段，畫面中的人唸著「1.2.3.4 5.6.7.8….」中間由於穿插了其他動作，打亂了整段的節奏，所以這部分必須透過剪接去調整。

最後是聲音的連接性，陳博文認為這是剪接師在思考影像聲音時，很重要的一環。使用聲音來轉場時，會比下一場影像要早進入畫面，為了銜接下一個畫面，可以將對白融合在聲音中，來製造聲音出場的時機。當兩段場景要作串接時，為了要製造後者進場的機會，好好的運用手邊素材來設計轉折是很重要的。

如何把導演想法透過剪接傳達出來

「我常跟我的學生講，剪接師必備的條件甚至要超越導演，你如果沒有比導演更好的能力，起碼要跟導演同等能力，如果沒具備這樣的條件，你要怎麼幫導演？因為你要給導演提供好的意見。」

過去在拍攝現場待過的陳博文，對於電影的分鏡、鏡頭的運用是很有概念的。「在剪接的時候，常常會有一些構想是導演沒有想到的，我會建議導演補拍，花很短的時間、在很經濟的狀況下補幾個鏡頭，讓整個戲更加精采，我覺得這是優秀的剪接師要做到的。」甚至，他喜歡在拍攝前就參與劇本的討論，他認為這樣可以免掉將來對劇情結構做大幅度的調整，這樣的討論也有助於了解導演的想法，等拍攝完成後，剪接起來會更有方向性。

每個人生活經驗不同，對聲音的反應、領悟、解釋不同，所以必須透過溝通去了解導演想要表達什麼感覺。像是在《霧鹿高八度》這部片中，王俊雄導演在拍攝現場錄了布農族的八部合音，在拍攝階段，導演被現場的聲音震撼，所以把整段全部拍下來，時間很長。陳博文在拿到素材後，就詢問導演：「這段想要表達什麼？這聲音對你的感受是什麼？」導演告訴他「我覺得這好像是大自然的呼喚，從深山傳出來的呼喚聲，是很令人震撼的。」因為當時沒提到要用這些影像去傳遞這聲音的感覺，所以沒特別拍好，所以陳博文就從導演的拍攝素材找畫面放進去，營造導演要的感覺，其中畫面有一隻老鷹在飛，這是攝影師在現場覺得很美隨意拍下來的，只有 2 秒，無法傳達這個聲音的感覺，為了搭襯這個聲音，所以畫面就放慢四倍。

聲音有很大的想像空間，從上面的例子來說，「布農族的八部合音」給人的感覺就各自迥異，有人覺得傳統神秘、有人覺得像是死亡的召喚，在這種情況下，如果要傳遞導演的想法，一定要透過剪接把氣氛營造出來。同樣的聲音，換了不同的畫面，就完全有不同的感受，比如說畫面從山林改成落葉、動物的屍體，或是乾裂的河床，這聲音又是另一種想像，像是死亡的象徵。

頂尖剪接師的價值所在

「對剪接來說，沒有做不到，只有你想不到，90％以上是做得到的。如果演員演不好、攝影師沒拍好的地方、故事不好，都必須透過剪接去修改，所以能力不能比導演差，不然剪接技巧大家都一樣，人家為什麼要找你？你要做到人家做不到的，你才能在這行業生存。」陳博文說。

不論是機器、演員表現不如預期，或是在拍攝時因各種意外所導致的瑕疵，將這些影像素材處理好是剪輯師必須面對的挑戰。不管是重新組合鏡位、調整戲劇結構，或做些特效，讓電影的整體情緒、氣氛能夠充份展現，都是剪接師的專業價值所在。